劇伴音楽の作曲家や映像クリエイターへのヒアリング取材を行うと、現場では「何となくの感覚」ではなく、緻密な音響工学的・音楽理論的アプローチによって楽曲の雰囲気の決め方が確立されていることが分かります。
サウンドデザイナーの証言によると、制作現場では次の3ステップで曲調をコントロールしています。
まず行うのが「コード進行とスケール（音階）の選定」です。例えば開放的な明るさを演出するならアイオニアン（長音階）、切なさと郷愁を同居させるならドリアンやマイナースケール、近未来感や緊張感を持たせるならリディアンやホールトーンスケールを採用します。この土台が曲調の骨格となります。
次に「音色の質感と音響処理（テクスチャー）」です。アコースティックギターや生ピアノの生音は温もりや人間味を付与し、硬質なシンセサイザーや歪んだベースは無機質さや攻撃性を演出します。さらに残響音（リバーブやディレイ）を深めることで「浮遊感」や「幻想的な奥行き」が加わります。
動画制作におけるBGMの曲調の選び方においても、このロジックは直結します。解説動画なら集中を妨げない中庸でクリアな曲調、感動的なVlogならピアノ主体のノスタルジックな曲調を選ぶといった論理的な選定が、視聴維持率の向上に寄与します。
